국제 여성의날 상징하는 미술작품

Caterina van Hemessen(카타리나 반 헤메센) : 알려지지 않은 비주얼 선구자

Caterina van Hemessen( 카타리나 반 헤메센)  : 알려지지 않은 비주얼 선구자 이미지 게티이미지

국제 여성의 날을 맞아

BBC Culture는 우리가 세상을 보는 방식을 형성하는 데 도움을 준 여성 아티스트를 대상으로 한 새로운 시리즈를 시작합니다. Kelly Grovier는 이젤에서 작업중인 예술가의 첫 자화상을 여성 Caterina van Hemessen이 어떻게 그린 것인지 알아 봅니다. "창조적 인 천재"와 예술사에서 나온 자화상 퍼레이드를 생각해보십시오. 미완성 된 캔버스 앞에서 강렬하게 우울해하는 자화상이 여러분의 마음을 번쩍입니다. 렘브란트의 자화상 (1665)의 구겨진 귀족에서부터 빈센트 반 고흐의 상징적 인 화가로서의 자화상 (1886)에 이르기까지, 프란시스코 고야의 자화상에 대한 수줍은 시선에서 Paul Gauguin의 Self-Portrait with a Palette (1894)의 신중한 곁눈질에 Studio (1790). 그래서 남성적은 정신적 무게로 가득 찬 실존 적 바벨처럼 붓을 들어 올리는 냉담한 예술가의 고정 관념입니다. 전통이 코르셋을 입은 20 세 젊은 여성과 함께 시작 했어야한다는 것은 상상할 수없는 일입니다.

미술사가들처럼 1548 년에 그린 카테리나 반 헤메 센 (Caterina van Hemessen)이라는 재능있는 젊은 플랑드르 르네상스 화가의 몰입감있는 자화상은 예술가, 남성 또는 여성의 첫 자화상 일 가능성이 높다고 결론 내릴 모든 이유가 있습니다. 이젤에서 일하는 여성. 물론 그러한 귀속은 위험한 사업입니다. 추상 회화의 발명가 (현재 Kandinsky, 현재 Hilma af Klint, 현재 JMW Turner…)에 대한 후보자의 끝없는 계승을 요청하십시오. 시간이 지남에 따라 부당하게 잊혀진 초기의 예가 밝혀 질 가능성이 항상 있습니다. 그러나 Hemessen의 트랜스 픽싱 걸작의 경우, 그것은 단순한 자세가 아닙니다. 우리가 우리 앞에 보는 것과 똑같은 그림을 만들기 위해 자신을 메타 중반 붓놀림으로 묘사하는 젊은 여성이 작업을 하나로 구별합니다. 이미지 제작 역사상 가장 선구적인 기업입니다. 창의성과 자기 발명의 본질에 대한 작은 기름에 기름을 바른 패널의 깊이와 복잡성은 의심 할 여지없이 획기적이며 예술가들이 세상에 자신을 표현하는 방식을 영원히 바꿔 놓았습니다.

 

Hemessen의 그림은 이미지 제작 역사에서 가장 선구적인 것 중 하나입니다

언뜻보기에는 프레임 외부 어딘가에있는 거울을 바라보며 시선을 사로 잡는 약간 불안하고 짝을 이루지 않는 프림 시터의 응시입니다. 그녀의 플러시 천 벨벳 소매가 당면한 지저분한 작업 (조잡한 팔레트에 안료와 기름을 묻히기)과 상충된다는 점은 호기심 많은 무대 감각을 더합니다. 얼마 지나지 않아 헤메 센이 삽입 한 괴롭히는 비문에 의해 우리의 눈이 그림의 신비에 더 깊이 빠져들게됩니다. 이미지의 오른쪽 절반을 지배하는 자신의 더 큰 모습과 왼쪽 이젤에 얹혀있는 초벌칠 참나무 패널에 그림 속의 화가가 만들기 시작한 작은 자화상 사이의 어두운 공허함 , "Ego Caterina de Hemessen me pinxi 1548 Etatis suae 20"(또는 "I, Caterina of the Hemessens, 1548 년 20 세에 저를 그렸습니다").

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Hemessen의 메시지는 모호하고 해석의 여지가 있습니다 

초상화가가 자신의 시터를 식별하는 캡션으로 작업을 새기는 것이 관례 였지만,이 경우 언어는 그 기능을 명확히하는 것이 아니라 의미 론적, 심리적, 철학적 음모의 수준으로 패널의 시각적 표현을 강화하는 데 독창적 인 역할을합니다. 결국 누가이 허풍스럽고 무중력 한 말을하고 있습니까? 우리는 그들이 떠난 예술가의 입술에서 수세기 동안 유령처럼 숨을 쉬고 있다고 상상할 수 있습니까? 재능있는 스타일리스트는 여성 예술가가 거의 없었던 시대에 헝가리와 보헤미아의 여왕 배우자로서 자신을 구별했습니다. 오스트리아의 메리는 서비스를 유지 했습니까? 아니면이 선언, "I Caterina…", 예술가의 움직이지 않는 입에서 나오는 복화 속삭임 ' 그림 속의 분신 –없는 눈이 단호하게 쳐다 보지만 우리를 만나기를 거부하는 조용한 자아의 모습? 아니면 "나는… 나를 그렸다"의 "나"가 그 대신에 패널 내 패널에서 떠오르는 거의 자아에 붙는가?

우리가 그 그림의 묘사 논리를 따라 결론을 내리면 결국 , 궁극적으로 만들어 질 환원 할 수없는 "나"? Hemessen의 초상화는 프리즘의 흰색 광선처럼 굴절 된 세 가지 자아의 존재를 가정하고 화가, 페인팅, 아직 채색되지 않은 사람들의 밝은 스펙트럼으로 굴절됩니다. 정체. 그 대신에 우리가 그 그림의 묘사 논리를 따라 결론에 도달한다면 궁극적으로 창조 될 궁극적이고 환원 할 수없는 "나"인 패널 내부의 패널 위에 떠오르는 거의 자아를 붙잡을 것인가? Hemessen의 초상화는 프리즘의 흰색 광선처럼 굴절 된 세 가지 자아의 존재를 가정하고 화가, 페인팅, 아직 채색되지 않은 사람들의 밝은 스펙트럼으로 굴절됩니다. 정체. 그 대신에 우리가 그림의 묘사 논리를 따라 결론을 내리면 궁극적으로 창조 될 궁극적이고 환원 불가능한 "나"인 패널 내부의 패널 위에 떠오르는 거의 자아를 붙잡을 것인가? Hemessen의 초상화는 프리즘의 흰색 광선처럼 굴절 된 세 가지 자아의 존재를 가정하고 화가, 페인트 칠, 아직 칠하지 않은 사람들의 밝은 스펙트럼으로 굴절됩니다. 정체.

 

정체성의 충돌

Hemessen이 고의적으로 그녀의 비문의 꿰 뚫을 수없는시에 너무 많은 작업의 강도를 부여했다는 것은 의심의 여지가 없습니다. 플랑드르 르네상스 시대의 로마 니스트 스쿨 (로마를 여행 한 16 세기 저지대 예술가)의 주역 인 아버지 얀 샌더스 반 헤메 센 (Jan Sanders van Hemessen)의 훈련을받은 그녀는 자신의 미술사를 잘 알고있었습니다. 그녀의 떠 다니는 캡션의 언어 패턴은 오늘날까지도 가장 매력적인 자화상 중 하나 인 Albrecht Dürer의 자화상 at Twenty-Eight (1500)에 대한 명확한 암시였습니다.

Albrecht Dürer의 Twenty-Eight (1500) 자화상에는 또한 비문이 있습니다 (Credit : Getty Images)

Hemessen의 그림보다 반세기 전에 만들어진 Dürer의 그림은 눈높이에 필수적인 라틴어 비문을 배치합니다. "Albertus Durerus Noricus ipſum me propriis ſic effingebam coloribus ætatis anno XXVIII"(또는 "나, 뉘른베르크의 노인 Albrecht Dürer는 영원한 색채로 자신을 묘사했습니다. 28 년 "). 독일 르네상스의 거장이 부활하신 그리스도에 대한 무수한 묘사의 모습으로 그의 모습을 대담하게 흐리게하고, 눈은 영원한 시선으로 빛나고, 손을 들어 올리며, 뒤러 자신의 자화상 자체가 정체성의 대담한 충돌이라는 사실을 학자들은 널리 인정했습니다. 심판의 날에 영혼을 나누는 다른 세상의 권위.

Dürer의 이미지와 마찬가지로 Hemessen은 자신의 정체성을 그리스도의 정체성과 대조했습니다 (Credit : Getty Images)

Dürer의 유명한 자화상을 대담하게 암시함으로써 Hemessen은 단순히 자신의 기술에 대한 자신감을 투사하거나 부풀려진 예술적 야망을 선포하는 것이 아닙니다. 그녀는 훨씬 더 터무니없는 일을하고 있습니다. 그녀의 존재 자체가 구세주 이신 그리스도의 존재와 영적으로 인접한 것으로 인식하도록 우리를 잠재 의식적으로 초대합니다. 그 놀라운 의도에 대해 의심이 든다면, 삽입 된 단어 바로 아래에있는 그녀 앞의 이젤에 앉아 간신히 시작된 페인팅 속 페인팅을 다시 살펴보십시오.

붓의 위치는 그 자체로 의미가 있습니다 (Credit : Getty Images)

Hemessen이 오른손으로 수평으로 잡고있는 붓과 팔레트에 쥔 왼손으로 제자리에 눌려 패널에 똑바로 기대는 수직 몰 스틱 (화가의 팔을 고정하는 데 사용되는 화가의 소품)은 조심스럽게 배치되어 틀림없는 십자가. 그녀가 흰색 패널에 묘사하기 시작한 신생 자화상과는 대조적으로,이 겹쳐진 십자가는 예술가의 떠오르는 이미지에 대한 암시적인 십자가가된다. Hemessen은 그녀의 비전과 그녀의 기술이 그녀를 구속하고 고문한다고 주장하는 것처럼 보입니다. 이는 미래 세대의 예술가들이 자신의 상태를 인식하는 방식에 광범위한 영향을 미칠 것입니다.

 

미러 이미지

자화상에 의해 활성화 된 예술적, 영적 미러링의 흥미로운 감각 – Hemessen이 지금은 Dürer, 이제는 그리스도와 함께 그녀의 정체성을 병합하는 –이 난해한 그림에 대한 어떠한 인식에도 걸려있는 실제 광학 미러링의 신비로 확대됩니다. 자화상을 감상하는 것은 예술가가 사용하고 그림의 틀 바깥 어딘가에 위치한 거울이 존재한다고 가정하는 것입니다. 이는 화가가 만드는 이미지를 가능하게하는 물질적으로 반사되는 표면입니다..

그러나 Hemessen의 반성에서 무언가 합산되지 않습니다. 우리 앞에있는 그림에서 작가의 머리는 패널의 오른쪽 상단에있는 반면, 이젤의 패널, 그림 속의 그림에서는 조각 머리가 왼쪽 상단에 있습니다. 마치 Hemessen이 프레임 외부에서 그녀가보고있는 거울이 만들어 낸 자신의 이미지의 광학 반전을 영리하게 수정 한 것과 같습니다. 그 결과, 우리가 우리 앞에서 보는 완성 된 그림보다 삶에 더 진실한 것은 거의 시작되지 않고 단편적인 자화상 속 자화상이다.

마음을 구부리는 거울의 퍼즐에 자신과 우리를 장난스럽게 얽힘으로써 Hemessen은 구르는 망막 수수께끼 이상의 것을 창조했습니다. 그녀는 현대 종교 사상의 중심에있는 주제 인 영적, 육체적 모방의 본질과 본질에 대한 심오한 시각적 논문을 제작했습니다. 헤메 센이 자화상을 그리기 한 세기 전, 후기 중세 네덜란드-독일 신학자 인 토마스 아 켐 피스 (Thomas à Kempis)는 그의 영향력있는 기독교 경건한 책 The Imitation of Christ를 출판했습니다. 우주의 거룩함. "당신의 마음이 옳았다면"à Kempis는이 책의 4 장에 이렇게 적고 있습니다. "그러면 창조 된 모든 것은 당신을위한 삶의 거울이되고 거룩한 가르침의 책이 될 것입니다. 당시의 상상 속에서 거울의 중요성과 Hemessen의 작품에 대한 더 깊은 공명을 증폭시키는 것은 14 세기 이탈리아 신비주의자인 시에나의 성 캐서린의 저작으로, 그의 가르침은 처음부터 유럽에서 대중적으로 보급되었습니다. 16 세기. 예술가가 단순히 남성에게 할당 된 기능 (회화)을 수행하는 것뿐만 아니라 남성 그리스도의 측면을 가정하는 자신을 감히 바라 보는 Hemessen의 그림의 시각적 열정을 사전에 승인 한 것처럼 Siena의 Catherine은 여성이 아니라는 개념에 도전했습니다. 자신을 그리스도의 거울로 보도록 똑같이 소환되었습니다. 거울의 은유를 마샬링하면서 그녀는 그리스도가 "내가 가장 필요로하는 기적"이라고 주장한다. 그 안에서 내가 얇은 짝 이요 피조물이라는 것을 나에게 나타내는 몰약이다. 종교적, 페미니스트 적, 광학적, 예술적 등 튀어 나오는 반성의 교차점에 휩싸인 Hemessen의 무진장 한 패널은 이후의 모든 자화상이 자신을 구성 할 문화적, 심리적 축을 추적 한 것으로 인정받을 만합니다. 그녀의 과소 평가 된 그림은 렘브란트에서 신디 셔먼, 아르테 미 시아 이방인에서 피카소에 이르기까지 훨씬 더 잘 알려진 자화상이 다음 세기에 탐구 할 주제를 설정합니다. 예술가이지만 지난 반 천년의 예술 자체 이야기. Van Gogh와 Frida Kahlo의 걸작에 우리의 시선을 고정시키는 것은 그들의 이해력, 희망,